Ennio-Morricone

Ennio Morricone: versatilidad, originalidad y profusión

Compositor italiano cuyos primeros trabajos se remontan a 1960, compañero de Sergio Leone con el que más tarde colaboró, más de 500 trabajos en su carrera como compositor… Hablamos de Ennio Morricone, uno de los músicos más aclamados por unos y también más odiados por otros debido a la forma atípica de su música. Su primera banda sonora fue la que hizo para la película Il Federale (1961).

 

Y qué podemos decir de este compositor mundialmente conocido, considerado por algunos como el más innovador de la música de cine. Trabajador incansable, reniega de todo talento. Para él, el esfuerzo, el trabajo y la entrega es lo que hace que una persona triunfe. Hay que reconocerle múltiples premios, entre ellos, un Oscar Honorífico, 26 discos de oro, cinco de platino, un Grammy, 40 millones de copias vendidas… Razones suficientes para encumbrar a Morricone en lo más alto.

 

Ennio Morricone se considera a sí mismo como un compositor, no como una estrella de cine, por lo que evitó trasladarse a Hollywood cuando se lo ofrecieron. Tampoco se considera un especialista en western, género por el que se hizo famoso, sino un especialista en música, sin más; capaz de trabajar en todo tipo de historias: de amor, políticas, sociales, de terror, etc.

 

Aunque admite que empezó en el mundo del cine por dinero, componer se ha convertido en su vida y no tiene intenciones de retirarse, todo lo contrario, pretende seguir componiendo hasta el día se su muerte.

 

Como homenaje, hemos querido elegir sus 10 mejores composiciones. Ha sido un reto complicado debido a la gran extensión de su obra, por lo que prevalece una cierta apreciación personal y lo que han supuesto algunas de ellas. No tienen un orden preferente, pues no consideramos que se superen mutuamente. Vamos a ello.

 

Los Intocables de Eliot Ness

 

Tema elegido: The Strenght of The Righteous

 

Película que homenajea a El Acorazado Potemkin en una de sus escenas, Los Intocables de Eliot Ness (The Untouchables) pertenece al género de cine negro y su reparto contó con estrellas como Robert de Niro, Kevin Costner o Sean Connery, entre otros. La historia del film tiene lugar en los años 30 en la ciudad de Chicago, coincidiendo con la época de la ley seca, y gira en torno a la figura de Al Capone, un gánster que será perseguido por el agente federal Eliot Ness. En su día se llevo un Oscar de los cuatro a los que estaba nominada:  Mejor Actor Secundario por el magnífico papel de Sean Connery.

 

 

La Misión

 

Tema elegido: Falls

 

Película británica de 1986 con Robert de Niro, Jeremy Irons, Ray McAnally y Aidan Quinn como personajes principales. Ambientada en el siglo XVIII, La Misión es un drama histórico que gira en torno a la época de la América Colonial y cuya figura central es un sacerdote jesuita.

 

La banda sonora de este film mezcla diferentes instrumentos como guitarras españolas, corales litúrgicas y tambores nativos para darle ese toque de multiculturalidad que se aprecia en la película. El tema elegido es el principal del film y continua siendo una de las piezas más memorables de Morricone, además de famoso por su uso en spots publicitarios.

 

La película ganó el Oscar a Mejor Fotografía y la Palma de Oro a Mejor Película. La banda sonora también fue nominada al Oscar y ganó el Globo de Oro a la Mejor Banda Sonora. Además, está en el puesto 23 de la lista «las Mejores Bandas Sonoras de Cine Americano», según AFI’s 100 Years of Film Scores.

 

 

El Bueno, el Feo y el Malo

 

Tema elegido: El Triello

 

Cuando Morricone compuso la banda sonora de esta película ya había colaborado previamente en las dos entregas anteriores de la trilogía junto a su amigo Sergio Leone. Morricone utilizó disparos, yodel (una forma de canto que consiste en que la voz humana haga rápidos cambios de tono consiguiendo un sonido melodioso y alti-bajo) y silbidos. El tema principal se asemeja a los aullidos del coyote y cuyo fin es representar a los tres personajes principales. De ahí el uso de la flauta para Blondie (el bueno), una ocarina para Sentencia (el malo) y voces humanas para Tuco (el feo).

 

Sin embargo, la elegida en esta lista es The Triello, pues sostiene el clímax de la película: el enfrentamiento entre los tres personajes. La función de esta melodía en la escena final es magnética y fundamental, pues prácticamente sostiene esos minutos de tensión que tendrá que soportar el espectador. Aquí la tenéis.

 

 

Por un Puñado de Dólares

 

Tema elegido: Per un Pugno di Dollari

 

Poco puedo decir de esta película que no haya dicho de la anterior, pues ambas pertenecen a la misma trilogía. Por un Puñado de Dólares es la primera de todas y se puede afirmar que lanzó a la fama a Clint Eastwood. Su rodaje tuvo lugar en España, en un poblado ya desaparecido llamado Golden City situado en Hoyo de Manzanares (Madrid) y en el Parque Natural de Cabo de Gata (Nijar) en Almería.

 

La banda sonora compuesta por Ennio Morricone recibió el premio Nastro D’Argento (Cinta de plata en español) otorgado por el Sindacato Nazionale Giornalisti Cinematografici Italiani (Sindicato Nacional Italiano de Periodistas de Cine).

 

 

Cinema Paradiso

 

Tema elegido: Cinema Paradiso

 

Acreditada como un verdadero clásico y catalogada como un renacer del cine italiano de la época, Cinema Paradiso es un drama que representa a la Italia de la posguerra y hace una declaración de amor al séptimo arte. Es, más que nada, un homenaje al género cinematográfico y cuyo éxito indiscutible llegó prácticamente tras su estreno.

 

Su banda sonora es una de las más hermosas de Ennio Morricone. Su perfecta unión con la atmósfera de la película hace de esta composición una de las mejores, pues su disposición, aparición y frecuencia están perfectamente sincronizadas. Se combinan bellos motivos musicales con toque sencillos de cuerda (piano, violines y guitarra) que consiguen transmitir toda una amalgama de sentimientos, desde la nostalgia y la melancolía, hasta la belleza y el amor. Con todo esto, Morricone consigue emocionar, algo que no es tan fácil como parece. Son este tipo de bandas sonoras las que consiguen que hagamos una introspección de nosotros mismos y nos acordemos de ciertas cosas que, quizás, no sabíamos ni siquiera que estaban.

 

 

Érase una Vez América

 

Tema elegido: Once Upon a Time in America

 

Ganadora de los Premios Bafta Mejor Banda Sonora y Mejor Vestuario, Érase una Vez América constituye la última gran obra de Sergio Leone y también la última entrega de la trilogía Once Upon a Time Trilogy, precedida por Hasta que Llego su Hora (1968) y ¡Agáchate, Maldito! (1971). Está basada en la novela The Hoods, aunque también hay guiños a la película La Naranja Mecánica.

 

El relato no está organizado de forma lineal, sino que son saltos temporales que recorren cuatro décadas de la historia de los EE.UU con el fin de retratar la evolución del país a través de diferentes momentos: principios de siglo, los años veinte y treinta (época de la ley seca) y finales de los sesenta. La ambientación de estas etapas es excelente. Sí que es importante el factor histórico, pero en lo que se centra la película es en los personajes, unos chiquillos que irán creciendo y viviendo esas diferentes etapas.

 

La banda sonora de este film es catalogada por muchos como una de las mejores de la historia del cine, pues se encuentra entrelazada de modo indisoluble con la narración del drama en cuestión.

 

 

Kill Bill vol. 2

 

Tema elegido: L’Arena

 

Inspirada en la película de animación japonesa Blood: The Last Vampire, Kill Bill es un film que originalmente tenía una duración de cuatro horas, por lo que se decidió dividir en dos partes: Kill Bill vol.1 y Kill Bill vol. 2. En su momento se hizo una edición diferente específicamente para Japón, por lo que se estrenó semanas más tarde. Mientras que la escena contra el grupo de «los 88 maníacos» se rodó en blanco y negro en la versión estadounidense, en la versión europea y japonesa aparece en color.

 

La banda sonora escogida por Tarantino incluye algunas piezas de Ennio Morricone que originalmente se hicieron para otras películas, pero que son utilizadas en esta segunda parte con una gran maestría: Il Tramonto (El Bueno, el Feo y el Malo), L’Arena (Il Mercenario) y A Silhoutte of Doom (Navajo Joe). Como sabéis Tarantino siempre ha sido un acérrimo fan del compositor italiano, por lo que no es de extrañar la existencia de diferentes composiciones en algunas de sus obras. En Kill Bill vol.1. también podemos disfrutar de algunas melodías de Ennio Morricone que originalmente fueron compuestas para otras películas.

La banda sonora escogida de entre las tres es L’Arena, perteneciente a la película Il Mercenario. La película muestra la Revolución Mexicana y es un buen ejemplo del subgénero Zapata Western, que se encuentra dentro del género Spaghetti-western.

 

 

Días del Cielo

 

Tema elegido: Days of Heaven

 

Este romance es un claro ejemplo de la versatilidad de Ennio Morricone. Da igual que historia le echen, ya sea un western, un romance o un drama, él sabe cómo componer buena música y lo vuelve a conseguir en Días del Cielo, un film de 1978 cuyos protagonistas son Richard Gere, Brooke Adams, Sam Shepard y Linda Manz. La trama gira en torno a una pareja que se hará pasar por hermanos para salir de la pobreza.

 

Ganadora de un Oscar a Mejor Fotografía, Días del Cielo presenta una banda sonora bucólica y apacible, que contrasta con el trasfondo dramático del propio film. Destaca su tema principal, una pieza hermosa en las que se aprecian algunas variaciones con un cierto toque dramático.

 

 

Malena

 

Tema elegido: Passeggiata In Paese

 

A pesar de los defectos que en su día se sacaron a esta película, la banda sonora de Morricone interioriza en esta historia y aporta una gran cantidad de información que las imágenes por sí mismas no son capaces de transmitir. Al contrario que en Cinema Paradiso, cuyos temas centrales utilizaban reconocibles melodías, Malena constituye un cambio de estilo de las composiciones de Ennio Morricone. El compositor italiano pretende emular los chismorreos y rumores que circulan entre la gente del pueblo sobre Malena, por lo que parece que la música apoya dichos rumores, sobre todo en los andares de la protagonista mediante el uso de sonidos arrítmicos y atonales. Lo que no consigue del todo el director, Tornatore, es completado por la música de Morricone.


 

Inglourious Basterds

 

Tema elegido: Mystic and Severe

 

Aunque no fue compuesta especialmente para la película de Quentin Tarantino, el director se tomó la libertad de elegir para Inglourious el soundtrack Mystic and Severe. Originalmente esta banda sonora fue compuesta por Morricone para la película De Hombre a Hombre, spaghetti western de Giulio Petroni en 1967. Y no solo la utilizó para Inglourious Basterds sino que este tema ya inspiró a Tarantino en Kill Bill Vol. 1. Magnífica elección por su parte.

 

 

Como expresan las propias canciones seleccionadas, Ennio Morricone no tiene muros ni fronteras en el arte musical. Admiramos una composición variada, original y que marcará al cine durante muchas generaciones. Esperemos que llegue más lejos aún y se le reconozca como lo que es: un maestro de la música.

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