Sus primeros trabajos como Starlet o Prince of Broadway son más desconocidos, pero el neoyorquino Sean Baker conseguiría reconocimiento internacional en 2014 cuando estrenó Tangerine que rodó íntegramente con un iphone por falta de presupuesto. El pasado Cannes presentaba The Florida Project, una película sobre la vida de Monee con su madre en un motel de carretera, ambas están atrapadas por sus propias circunstancias bajo la mentira del sueño americano; la película sería todo un éxito y convierte a Sean Baker en la revelación definitiva del cine indepentiente estadounidense.

Pregunta: Florida Project fue el nombre que tuvo lo que ahora es Walt Disney World durante su construcción. El gran sueño de Monee, la protagonista, es entrar allí y ver el famoso castillo, ¿la presencia de los parques de Disney tiene alguna influencia en el resto de personajes de la película?
R: No lo sé, no estoy seguro de si les afecta directamente, lo que sí vi mientras rodaba es que había una omnipresencia, siempre está la sombra de Disney y me pregunto como afecta esto psicológicamente, el impacto que acaba teniendo en la gente que vive en los moteles porque siempre están atraídos por anuncios de cosas que no pueden tener. No sé como funciona psicológicamente pero no puede ser positivo.

P: ¿Hasta que punto las conversaciones en las que participan los niños, incluso Bria Vinate (la actriz no profesional que interpreta a la madre) son espontáneas? ¿Le dabas mucha importancia al texto que habías escrito? Hay una escena en la que los protagonistas comen un helado que es de una naturalidad asombrosa.
R: Brooklin (Monee) ha hecho algo de publicidad y una película independiente, los otros dos niños debutaban aquí. Cada uno es un mundo y depende de su comodidad y cómo se suelta en el plató, si se suelta mucho puedes decirle que sea natural e improvise el texto. La escena del helado fue muy espontánea, sí. Era el primer día de rodaje y les di un helado para que lo compartiesen entre los tres; la escena estaba en el guion y había diálogos, era algo así como que Monee compartía de forma equitativa, pero era demasiado caótico y se limitaron a pasárselo aunque ella comió el doble de los demás.

P: Es muy natural y conmovedora la relación madre e hija, ¿cómo trabajaste eso?
R: Bria, la actriz que hace de la madre no tenía experiencia alguna en el cine. La hice venir a Orlando para que conociese a las niñas y le advertí que pese a ser su madre se comportase como una hermana. Su relación con su hija fue de igual a igual y, sí, tiene un amor maternal pero es más como una hermana mayor. Fue inmediata su química, las fotografié con mi IPhone y me di cuenta de que todo funcionaba en cuestión de minutos, todo empezó allí y se hicieron muy amigas.

P: ¿Podrías hablar un poco de cómo utilizas el espacio físico para encerrar a tus personajes y de cómo Monee siempre conserva la esperanza pese a su situación vital?
R: Los espacios son muy importantes para mí porque me sirven para describir a un personaje. Esta película podría haberla rodado en oro sitio de Estados Unidos, pero rodarla en Florida era irónico porque había algo muy obvio en ello, el decorado es algo importante. Puedes enfrentarte a un tema como este y ser negativo y dramático, el ser humano no es así, siempre tiene la capacidad de ser alegre y disfrutar; los humanos usamos la risa para defendernos; si no usase el humor, la representación sería falsa.

P: ¿Fue muy complicado trabajar con actores no profesionales bajo la presión de tener que rodar en 35 milímetros?
R: No, lo primero que hice fue que entendiesen de que iba todo aquello y así evitar dificultades. Me dijeron que un experimento así con niños y el 35 milímetros iba a ser desastroso y lo que hice fue establecer una disciplina de rodaje que facilitase todo. Yo les decía cuando se empezaban a desconcentrar: «¿oyes ese ruido?» (refiriéndome a la cámara) «es la película pasar y estamos quedando dinero» y así conseguí que lo entendiesen y les ayudó.

P: ¿Esta ha sido la primera vez que no has sido operador de cámara?
R: No me dejaron. Siempre me gusta manejar un poco la cámara, pero esta vez no me dejaron; no me dejaban ni tocarla, si la tocaba me gritaban. Un día empezó a llover y por seguridad yo moví uno de los maletines del equipo de cámara, al día siguiente había una nota que decía «Se recuerda a Sean que no puede tocar nada del equipo de cámara«. Pero no os preocupéis, encontraré la forma de conseguirlo y volver detrás de la cámara.

P: ¿Por qué es importante retratar personajes que viven situaciones poco favorecidas?
R: Creo que mis películas son respuestas a lo que no veo en televisión y cine en Estados Unidos, no quiero esquivar estos problemas. No es que sea mi deber y responsabilidad, pero hay que saber ver y plasmar estos problemas.

P: En el tramo final hay un punto de ruptura que se ve reflejado con un cambio de soporte porque cambias la cámara ¿Puedes hablarnos de esto?
R: Sí, cambiamos de cámara y estilo, es algo que debe interpretar el público, no es que no quiera contestarte pero en ese momento de la película, los espectadores ya están en la mente de Moonee y pueden usar su imaginación.

P: ¿Cuál es tu postura frente a esta lucha entre distribución digital y salas de cine?
R: Lo ideal es siempre la pantalla grande, tú filmas para que se vea así, pero a veces no es posible porque va directamente a streaming. Hay que ser realista, la mayoría de la gente lo va a ver en Internet o en un Iphone, pero todos pensamos en la pantalla grande. Yo quiero seguir rodando para los cines, voy a trabajar sólo para productores que destinan sus películas a las salas como A24. Quiero empresas que respetan el modelo porque la gente está olvidando es que estrenar en un cine te separa del resto, por ejemplo, la película de Angelina Jolie nadie sabe que existe. Netflix hace que las cosas desaparecen como la película que ganó Sundance el año pasado que a las dos semanas del estreno en el festival ya estaba en la plataforma. Es un dilema, un problema y yo creo que ver una película en un cine aporta algo y lo eleva a otra categoría.

Guardar