Juan Diego Botto forma parte de la última película coral presentada en España, Hablar, de Joaquín Oristrell. La película ha sido un reto apto para valientes: un plano secuencia de casi ochenta minutos, con más de veinte actores, y callejeando una calurosa noche por Lavapiés. Además había un regalo para los intérpretes, el poder hablar de lo que quisieran. Ellos escogieron sus historias. El hijo de Cristina Rota comenta en qué ha consistido tal proyecto.

P:Ya has trabajado varias veces con Joaquín Oristrell, ¿Qué te aporta como director?
R: Con él he hecho Novios, he hecho Los abajo firmantes y Hablar. Son tres películas. Es -junto con Montxo Armendariz– el director con el que más veces he trabajado. Joaquín es un tipo que no le tiene miedo al riesgo, apuesta por cosas distintas, nuevas, es muy ecléctico y ese placer por la aventura es lo que me entusiasma de trabajar con él. Siempre sabes que estás al límite, en riesgo, y eso hace un trabajo apasionante.

P: ¿Qué es lo que más te gustó de este proyecto?
R: El proyecto me entusiasmó desde el arranque, la génesis nace de una idea de Joaquín y de Cristina Rota se plantean: ¿Qué pasaría si una película naciera de los actores, si ellos pueden decidir cuáles son los personajes que quieren crear?. Se pusieron a trabajar en un taller al que asistimos mucha gente. En un primer momento no se pudo hacer y Joaquín lo retoma el verano pasado junto con mi madre, e incorporaron a esa premisa inicial de que cada uno proponga el personaje que quiera hacer, que además lo vamos a rodar en un plano secuencia. Entonces era mayor riesgo todavía. Al placer de que tú pudieras escribir el personaje que querías hacer y escribir la historia, sumarle el vértigo de hacerlo todo del tirón como si fuera una obra de teatro en plena calle.

P: Es suma de obra y teatro. ¿Feliz, por tanto?
R: ¿Qué más se puede pedir? Sí (ríe): tiene la adrenalina de saber que la cosa es en directo, de saber que no se puede repetir y no se puede retomar, y vivir el momento y sacar lo mejor de lo que tengas, y ese vértigo te provoca sensaciones magnificas, te pone al límite del riesgo. Y por otro lado, tiene lo mejor de lo audiovisual. no por haberse hecho del tirón, no tiene un lenguaje cinematográfico. A los quince minutos no te olvidas de que es un aplano secuencia, te vas metiendo en los personajes, las tramas, las historias, que es en definitiva lo que es el cine. Mezcla lo mejor de los dos mundos.

P: Tu historia es quizás la más reivindicativa de todas, ¿crees que es necesario que siga habiendo esta reivindicación en el cine? ¿Hay que hacer más, menos?
R: Yo creo que lo paradójico de este proyecto es que nace sin un premisa previa. No sabíamos de los que íbamos a hablar. Podíamos habernos encontrado con quince historias de amor, con quince historias de envidia, porque cada uno fue trayendo algo que le apetecía contar. Y es curioso como hoy juntas a quince personas y les dice que hablen de lo que quieren, y naturalmente terminan haciendo un reflejo e la situación actual. Y digo que es curioso porque nadie nos dijo nada. De hecho, yo estuve dudando: estuve apunto describir una historia de un tipo que está enamorado de una mujer, y era incapaz de decir nada, como la película se llama Hablar. Finalmente me decanté por ésta porque me era más fácil a la hora de escribir. Lo que quiero decir con esto, el hablar de lo que nos pasa es intrínseco al hecho de ser creador. Uno observa el mundo en el que vive, y tiene necesidad de contarlo. No hay una voluntad previa racional de que «necesitamos denunciar». Lo que necesitamos es mostrar. Mostrar para pensar y para pensarnos; en ese sentido ¿Debe ser más? ¿Debe ser menos? Cuando somos libres y no estamos precondicionados por lo económico o por lo ideológico, terminamos siendo un reflejo de lo que hay a nuestro alrededor.

P:¿Crees que la palabra ha perdido poder?
R: Pienso que ocurren varias cosas con la palabra. Creo en la palabra, es el vehículo imprescindible y único con el que los seres humanos nos podemos entender y podemos llegar a acuerdos y construir una sociedad, pero la palabra muchas veces se usa para esconder, para pervertir o para tapar. En vez de desvelar lo que pasa, sirve para ocultarlo. De alguna manera es el juego que yo pretendía hacer con mis historia: es un tipo que usa la palabra para justificar imposibles. Él trata de convencer a una buena mujer que ha hecho un trabajo de que no le va a pagar y que el hecho de no pagarle es bueno para el país y bueno para ella, es una absoluta perversión de la palabra. Y estamos acostumbrados a oír muchas de esas perversiones.

P: El cine español parece que despega este año con los éxitos que ha recabado. ¿Esta película lo sigue corroborando?
R: Yo creo que el cine español está lleno de talento y de capacidad creativa, imaginativa de sus múltiples creadores. Conviven las grandes producciones que han llegado los últimos años y son muy positivas; es un cine con voluntad de masas, con voluntad de éxito comercial, y eso es muy importante para nuestra industria, con los proyectos que hacen o intentan hacer de la necesidad virtud y no tienen más remedio que buscar en la creatividad y en la cultura un espacio propio. Eso habla de la relativa salud de nuestra creatividad. No así de la salud de la industria: el hecho de que muchos de esos proyectos enormemente creativos se tengan que desarrollar en la más triste de las precariedades no es positivo para nadie. Lo bueno sería que toda la gente con talento que se dedica al cine pueda terminar viviendo de su trabajo, y esto no está ocurriendo.